CONVOCATORÍA

Los seres humanos siempre tuvimos la necesidad de comunicarnos unos con otros. La transmisión de conceptos, tanto en forma visual como verbal, es uno de los ejes de nuestro progreso. A lo largo de toda la historia fuimos empleando distintas técnicas de escritura y pintura para transmitir ideas, y si bien las herramientas fueron evolucionando, la esencia es siempre la misma: establecer un vinculo con nuestros semejantes.

Un repaso por la historia del diseño

El génesis del diseño lo podemos encontrar en las pinturas rupestres, 20 mil A.C. aproximadamente, en las mismas se observan figuras representando animales y otros seres humanos, se estima, con fines religiosos.   Los Egipcios elaboraron un avanzado sistema de escritura, los jeroglíficos, pronto diseñaron también un soporte mas resistente al paso del tiempo llamado papiro. Llegando a la edad media se comienza a prestar atención a las ornamentaciones y decoraciones, añadiendo atractivas misceláneas e ilustraciones a los textos principalmente religiosos. Había especial interés de la iglesia en escribir biblias llamativas para ayudar difundir el mensaje religioso. Ya para el año 1440 Johan Gutenberg diseña la imprenta, un artefacto capaz de reproducir textos e imágenes sobre papel en escala masiva. Nace la industria de la imprenta moderna, esto permitió lanzar un sinfín de productos impresos en todo el mundo. Se crean nuevos materiales, nuevas tintas, fuentes tipográficas de todo tipo y se crea una nueva profesión: el tipógrafo o cajista, un técnico especialista en maquetación y ajuste de textos que luego serían impresos por los impresores. Una etapa decisiva en la concepción del diseño gráfico como profesión actual, fue durante la revolución industrial. Con el surgimiento de la industria mecanizada se desarrollan la economía y los mercados, los campesinos se desplazan a las ciudades para trabajar en las fabricas y aparecen las zonas comerciales y la competencia para vender a las masas los nuevos productos elaborados, es así como se desarrolla la técnica publicitaria que se ocupa de enviar a los posibles consumidores información acerca de las nuevas mercancías. Esto provoco la necesidad comercial de un profesional con los conocimientos necesarios para manejar de manera correcta diversos elementos visuales: formas, textos, tipografías, tonos, ilustraciones fotografías, debían ser orquestadas coherentemente para comunicar masivamente ideas puntuales a los posibles consumidores, es entonces que aparecen los primeros diseñadores gráficos y la comunicación publicitaria cobra gran fuerza. A finales el

siglo XX comienza la era digital, las computadoras, al principio muy costosas, se vuelven productos cada vez más y más masivos. Esto y el uso de programas especiales, permitió que el diseño gráfico pueda ser realizado de manera digital, empujando los limites visuales mas lejos y redefiniendo toda la profesión. Los diseñadores deben re daptarse a las nuevas tecnologías.     Con las computadores los tiempos de producción se aceleran, pero también, al multiplicarse los medios y los formatos, crece la demanda de diseño gráfico. Internet es el ultimo de los desafíos hasta el día de hoy, la interacción de animaciones, contenidos multimedia con textos y aplicaciones online, abre nuevos caminos y propone nuevos desafíos, hoy en día son comunes los híbridos diseñadores gráfico/multimedial que tienen la capacidad de manejar video y contenido interactivos.

 

PRODUCTO FINAL: 

 

realicé una billetera utilizando gráficas de la cultura sinú construtendo una artesanía basada en una figura orfebre de esta cultura.

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TUTORÍA 5 ARMONÍA Y COLOR

 

Formas compositivas del color : armonía y contraste

Los colores no pueden ser considerados como valores aislados puesto que se presentan rodeados de otros colores que alteran su percepción. Los colores cercanos se influyen mutuamente unos a otros. Así, los colores se pueden realzar o apagar según los colores que los rodeen.

Podríamos definir la composición del color (en un contexto artístico) como la forma de exponer colores logrando un equilibrio entre los elementos que componen la imagen global. La composición del color también puede referirse al efecto de relajación y calma que produce en el observador la imagen observada.

Existen dos formas generales compositivas del color :

Armonía, es la combinación producida por tonos próximos en la rueda de color a partir de ligeras variaciones sobre un mismo tono.

Contraste, son las combinaciones producidas por tonos opuestos en la rueda contrastan fuertemente produciendo un gran atractivo visual.

Dentro del circulo cromático podemos definir varios esquemas compositivos utilizados por los artista en base a la armonía y contraste de colores :

Armonía de análogos. Los colores análogos ocupan posiciones inmediatamente próximas en la rueda de colores. En razón de su parecido, armonizan bien entre sí. Este tipo de combinaciones es frecuente en la naturaleza.

Colores complementarios o contraste. Los colores complementarios se encuentran en puntos opuestos del círculo cromático. Estos colores se refuerzan mutuamente, de manera que un mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla asociado a su complementario. Estos contrastes son, pues, idóneos para llamar la atención y para proyectos donde se quiere un fuerte impacto a través del color.

De complementarios divididos. En lugar de utilizar un par de complementarios, se utilizan los situados en posiciones inmediatamente adyacentes. El contraste en este caso no es tan marcado. Puede utilizarse el trío de colores complementarios, o sólo dos de ellos.

Doble armonía de complementarios. Utiliza un par de asociaciones de colores complementarios.

Triadas o armonía de tres colores. Se eligen tres colores equidistantes en el círculo cromático. Versiones más complejas incluyen grupos de cuatro o de cinco colores, igualmente equidistantes entre sí (situados en los vértices de un cuadrado o de un pentágono inscrito en el círculo.)

En la mayoría de composiciones cromáticas se pueden observar tres colores :

Uno dominante: que es el mas neutro y de mayor extensión, sirve para destacar los otros colores que conforman nuestra composición gráfica, especialmente al opuesto.

El tónico: Es el complementario del color de dominio, es el más potente en color y valor, y el que se utiliza como protagonista.

El de mediación: que actúa como conciliador y modo de transición entre cada uno de los dos anteriores, suele tener una situación en el circulo cromático cercano a la de color tónico.

Distintas composiciones cromáticas :

TUTORÍA 4

 

Continuamos hoy con uno de los temas más importantes dentro de la teoría del color: el contraste.

Existen en total 7 contrastes de colores que se originan del análisis realizado por Johannes Itten, y que desde mi punto de vista, resulta el más completo y el que ha servido de base para posteriores estudios; así como para él lo fueron las teorías de Newton, Goethe, Bezold, Chevreul y Hölzel.

¿Qué es el contraste?

El contraste, como bien lo define la RAE, “es la oposición, contraposición o diferencia notable que existe entre personas o cosas”.

El contraste es entonces

la diferencia que existe entre dos o más colores, y el que permite al ser humano determinar o juzgar si un color es más intenso que otro, o más cálido o más frío, etc.

En el diseño, el contraste de colores juega un papel muy importante porque facilita el objetivo comunicativo del diseñador y del mensaje que pretende transmitir a una audiencia determinada. Como puede ser: provocar reacciones,  jerarquizar zonas clave dentro de una ilustración, llamar la atención, advertir de un peligro, entre muchas más.

Veamos ahora, cuáles son los 7 contrastes de color:

1-     Contraste de tonalidad.

2-     Contraste claro-oscuro (o de luminosidad).

3-     Contraste cálido-frío (o de temperatura).

4-     Contraste de complementarios.

5-     Contraste simultáneo.

6-     Contraste de cualidad (o contraste de intensidad).

7-     Contraste de cantidad. 

1.      CONTRASTE DE TONALIDAD

Es el contraste entre colores puros y luminosos, es decir, tal cual como los observamos en el círculo cromático.   El contraste más marcado lo producen los 3 colores primarios: amarillo, azul y rojo.  Conforme se va perdiendo en pureza del color, es decir, cuando se empiezan a mezclar colores, el contraste se vuelve menos intenso, como por ejemplo el contraste entre colores secundarios, y el de colores terciarios (como podrás apreciar en la imagen de más abajo).

En este tipo de contraste el fondo es clave para aumentar o disminuir la potencia del color, por ejemplo con un fondo blanco todos los contrastes se suavizan, mientras que con un fondo negro todos los contrastes se potencian y resultan más luminosos, adquiriendo un mayor protagonismo.  

 

2.      CONTRASTE CLARO-OSCURO

Se le conoce también como contraste de luminosidad, porque la luz es el valor clave en este tipo de contraste; tanto para los contrastes de claro-oscuros acromáticos (formados por el negro, el blanco y diferentes matices de gris), como para los contrastes claro-oscuro cromáticos.

En el contraste claro-oscuro cromático, los colores pierden su luminosidad al adicionarles negro, y ganarán en claridad adicionándoles blanco.  Cuanto mayor sea la diferencia de luminosidad entre los colores que se enfrentan, mayor será el contraste obtenido.

En pintura, el contraste claro-oscuro es uno de los recursos más utilizados, como fue el caso de Picasso y su período azul.

 

 

 

 

3.      CONTRASTE CÁLIDO-FRÍO  

Es conocido también bajo el nombre de contraste de temperatura, porque en él, la temperatura del color es la protagonista.  Se conforma, contraponiendo colores cálidos a colores fríos.

En su teoría del color, Itten considera que el mayor contraste cálido-frío lo conforman los colores terciarios: rojo-anaranjado y azul-verdoso.

Este contraste cálido-frío se tiene muy en cuenta en la decoración de interiores, ya que experimentos científicos han demostrado que los colores azulados calman la circulación, aumentando nuestra sensación de frío, mientras que los rojos-anaranjados la activan aumentando la sensación de calor.

La temperatura de un color es relativa. Parecerá más cálido o más frío dependiendo de los colores a los que se esté enfrentando.  Por ejemplo, un azul parecerá más cálido si se ubica al lado de colores fríos, y este mismo azul parecerá más frío si se ubica al lado de tonos más cálidos.  

 

 

 

 

4. CONTRASTE DE COMPLEMENTARIOS

Es el contraste entre los colores complementarios, es decir, los opuestos en el círculo cromático:

• Amarillo/Violeta

• Azul/Naranja

• Rojo/verde

• Amarillo-anaranjado/azul-violáceo

• Rojo-anaranjado/azul-verdoso

• Rojo-violáceo/ amarillo-verdoso

En diseño, este contraste el que más impacto suscita porque los colores complementarios en oposición se iluminan mutuamente luciendo más radiantes, mientras que su mezcla los apaga dando como resultado un gris oscuro.

Pero para obtener este gris oscuro ambos colores complementarios deben cumplir la condición de tener el mismo grado de claridad, de lo contrario obtendremos un color diferente al gris oscuro, probablemente una versión más oscura del tono más claro entre ambos. 

 

 

 

 

5. CONTRASTE SIMULTÁNEO

Este contraste es uno de los más complejos a entender, pero es quizás el más importante a tener en cuenta a la hora de diseñar o decorar interiores destinados al comercio (sobre todo en las tiendas de ropa donde la mayoría de las prendas son blancas, o en las peluquerías y las carnicerías), y también en el diseño de textiles.  

Porque ocurre una cosa muy curiosa con este contraste, y es que nuestro ojo al observar una zona  en determinado color, buscará inmediatamente su color complementario y si no lo encuentra lo creará él mismo. 

• Sobre una zona amarilla, el ojo buscará el violeta, y si no lo encuentra  lo recreará sobre otra superficie.

• Sobre una zona roja, el ojo buscará el verde, y si no lo encuentra  lo recreará sobre otra superficie.

  Es debido a este efecto óptico, que en los quirófanos donde se tenga que fijar la vista durante mucho tiempo sobre la sangre, las batas del equipo médico son de color verde. 

   

   

 

 

Debido a esta ilusión óptica, el contraste simultáneo supone la base de toda composición estéticamente agradable, pero la mayoría de las veces no es tenida en cuenta al momento de diseñar, quizás por simple desconocimiento. 

Por ejemplo, en la decoración de una tienda de ropa veraniega o de vestidos de novia, donde predominan los tejidos blancos, sería un desacierto pintar las paredes de un color azul-verdoso, porque nuestro ojo buscaría inmediatamente su color complementario en la ropa blanca, que no se vería blanca, sino de un tono blanco roto o melocotón,  debido al color complementario que el ojo trata de buscar, es decir: el rojo-anaranjado.

En cambio, este mismo color azul-verdoso, quedaría fenomenal en las paredes de una carnicería porque haría resaltar el color rojo de la carne, haciéndola parecer más fresca, porque nuestro ojo buscaría el color complementario en ella, es decir el color rojo.  Y sin embargo la mayoría de las paredes de las carnicerías son blancas, marrones, negras, y algunas incluso rojas. Y ya sabemos lo que pasa cuando el color de la carne parece verdoso, ¿no?, que parece en descomposición.

6. CONTRASTE DE CUALIDAD

Este contraste se produce entre un color saturado y luminoso, con otro más bien apagado.

Se puede confundir fácilmente con el contraste claro-oscuro, pero la diferencia entre ambos radica en el grado de claridad de los tonos que se enfrentan.  En el contraste claro-oscuro las diferencias son más acentuadas entre el color más claro y el más oscuro, mientras que en el contraste de cualidad esta diferencia es más sutil y gradual. 

Este tipo de contraste crea ambientes muy cogedores en decoración de interiores.

 

 

 

 

7. CONTRASTE DE CANTIDAD

Es un contraste de proporción entre dos o más colores.

Para conseguir un contraste de cantidad equilibrado, deberemos determinar la proporción adecuada para cada uno de los colores dependiendo de su grado de expresión.

Por ejemplo, el amarillo es el color más luminoso que existe, y el violeta (su color complementario) es el menos luminoso del círculo cromático.  En un contraste de cantidad ½ entre ambos colores, el violeta llevaría las de perder, porque el amarillo le robaría todo el protagonismo, a no ser, que este sea precisamente el efecto que se quiera conseguir para llamar la atención sobre una figura en especial.

En este ejemplo, la proporción adecuada seria ¼: 1 parte de amarillo por 3 partes de violeta. 

 

 

 

 

El tema de la proporción es muy subjetivo en las composiciones expresivas, porque dependerán de lo que cada artista y/o diseñador pretenda transmitir.

A algunos de estos contrastes les dedicaré un artículo especial, porque merece la pena analizarlos con más detenimiento.

CONCENTRACIÓN: 

Siempre se encuentra reunida hacia un punto fijo, lo que le da una estructuración a la grafica sin importar que su retícula sea formal o informal.

Hablamos de la distribución de los módulos en una estructura visual, Usualmente se le observa reunida en un punto especifico en el dibujo. Su distribución puede dividirse en informal y dispareja.

Las clases de la concentración que podemos halar son las que se muestran a continuación:

Concentración hacia un punto: 

Típicamente conocida porque los elementos  siempre se reunirán hacia un lugar especifico, que determinara por ende la agrupación de varios elementos, produciendo así una concentración.

 

 

 

 

 

 

Concentración desde un punto:

 Totalmente opuesto a lo anteriormente dicho, es decir, se genera una ausencia e las zonas inmediatas, del punto sale la concentración a dispersarse.

 

 

 

 

Concentración hacia la línea:

Los módulos o elementos por ende, empezaran a unirse o agruparse entre si, formando entre todos una linea concentrada.

 

 

 

 

Concentración desde una línea:

Todo lo contrario a lo anteriormente dicho.

 

 

 

 

Concentración libre:  

 Conocida de otra manera como la superconcentracion, en la cual, se habla de diferentes tipos de concentración en diferentes zonas en todo el dibujo.

 

 

 

 

Desconcentración:

Los elementos se encuentran en libertad a lo largo del dibujo, pues no tienen una concentración en sí, y se observaran espacios entre estos.

 ANOMALÍA

La anomalía es la presencia de la Irregularidad en un diseño en el cual aún prevalece la regularidad. Marca cierto grado de desviación de la conformidad general, lo que resulta en una interrupción, leve o considerable, de la disciplina total.

En el diseño la anomalía debe responder a una verdadera necesidad y debe tener un propósito definido, que puede ser uno de los siguientes: atraer la atención, aliviar la monotonía, transformar la regularidad y quebrar la regularidad.

 PROPÓSITOS DE LA ANOMALÍA

• ATRAER LA ATENCIÓN
Cuando es usada de forma moderada, tiende a destacarse y atraer la atención de inmediato.  Sobretodo si se concentra en una zona restringida del diseño.

•  ALIVIAR LA MONOTONÍA
La regularidad puede ser monótona, la anomalía genera movimiento.

•  TRANSFORMAR LA REGULARIDAD
Una regularidad puede transformarse en otra.

•  QUEBRAR LA REGULARIDAD
La regularidad puede ser completamente aniquilada, hasta el desorden en una o más zonas, pero debe mantener la unidad en el diseño.

ANOMALÍA EN LA ESTRUCTURA OCURRE, CUANDO LAS SUBDIVISIONES ESTRUCTURALES CAMBIAN DE: FIGURA, TAMAÑO, DIRECCIÓN Y DAN PASO A LA INFORMALIDAD.

      

 TEXTURA:

Mucho  escuchamos hablar o decir a cerca de la textura pero muy poco sabemos de su definición y clasificación  en  este articulo publico de manera puntual su concepto y aplicación.

La textura es un elemento que se refiere a la superficie de una figura.
Toda figura  tiene una superficie y debe tener ciertas características que puede  ser descrita por rigurosas, suave, lisa y decorativa, opaca o brillante, blanda o dura, según se muestre en un plano visual y esto  estará representado por diferentes materiales que al agruparlos u ordenado tomara la forma visual de relieve o  plano y será parte de una decoración .

Vídeos:
Textura 1https://www.youtube.com/watch?v=OrOU7AVBXuE&feature=youtu.be

Textura 2https://youtu.be/AcV3YZXZL8o

Textura 3https://youtu.be/aWn_daCU_VY

Textura 4https://www.youtube.com/watch?v=gGs33VGCbPE&feature=youtu.be

 

Se clasifica en dos categorías, Textura visual y textura táctil.

Textura Visual: Es aquel  estrictamente bidimensional, es aquella textura  que puede ser vista por el ojo aun que puede evocar sensaciones táctiles. Se distinguen por tres  clases.

1.    Textura  Visual Espontanea: Es aquella  donde  no decora la  superficie, si no es parte del proceso de creación visual, la figura y la textura no pueden ser separados por que las ramas de mano  accidentales contiene frecuentemente una textura espontanea como el soplado el esparcido, la integración de colores en forma  natural.

Se da por la sucesión varias técnicas, como se puede ver en los ejemplos el uso de color mezclado con otros materiales  dan la sensación una composición abstracta donde no se define ninguna forma y los colores  son sometidos  manera irregular provocando así unos diferentes efectos. Su acabado puede resultar verdaderamente plástico. Este trabajo aplicado a una  forma plana da como resultado una plicacion bien artistica.

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2.    Textura  Visual  Decorativa: Es la que decora una superficie y queda subordinada a la figura en otras palabras la textura misma es un agregado que puede ser quitado sin afectar mucho a las figuras y su interrelación en el diseño puede ser dibujadas a mano u obtenidas por recursos  especiales que  nos brinda la computadora. Es decir la creación de fondos adaptables a cualquier diseño, fondos de cielo, tramas  rítmicas etc. Ver modelo

3.    Textura  Visual  Mecánica: Se refiere a la textura obtenidas por  medios  mecánicos y son artificiales, sin necesidad de modificar  su naturaleza se puede emplear de manera decorativa y genera  cierto reñive , ejemplos tramas, tipografías, papeles con texturas, catones, micas, cuero, papeles liso, corrospun, telas, plasticos etc. Ver modelo

Existen 3 tipos de textura táctil.

Textura Táctil: Es el tipo de textura  que no solo es visible si no que puede sentirse con la  mano, la textura táctil, se eleva sobre la superficie de un diseño bidimensional y se acerca a un diseño tridimensional.

1.    Textura  Táctil  Natural Asequible: Se mantiene la textura  natural de los materiales tales  como papel en forma natural, madera, algodón, cebada, canela entera, clavo de olor ramos de tallos, pétalos, lentejas entre otros.

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2.    Textura  Táctil  Modificada: Los materiales son modificados para que ya  no sean los acostumbrados por ejemplo: el papel arrugado, rasgado, perforado, un trozo de madera tallada, aserrín,  sorbetes monedas, botones, hilos, lanas, vidrio, mondadientes, podemos encontrar más pero a pesar de su transformación sigue siendo  reconocibles.

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3.    Textura  Táctil  Organizada: La sensación de esta textura es dominante y los materiales a usar pueden ser identificables por ejemplo: semillas, grano de arena, cabello, alfileres, hilos retorcidos, botones del mismo color y tamaño, clic, etc. todas ellas deben  representar el mismo tamaño y la  misma forma en una disciplina ordenada.

TUTORÍA 3

 

Qué es Estructura:

La palabra estructura se refiere a la disposición y distribución de las partes de un todo, cuyo orden y relación entre sí permiten el funcionamiento de un determinado sistema. Proviene del latín structus, que quiere decir 'construido', y la partícula ura, que quiere decir 'resultado' o 'actividad'.

En una estructura, cada elemento tiene una función específica y una correlación con los demás elementos que componen la estructura. Eso hace posible que el sistema sea eficaz en su propósito. Por lo tanto, una estructura está diseñada para cumplir una función.

El término "estructura" puede aplicarse tanto a sistemas materiales como a sistemas inmateriales. En cada una de estas categorías, destacan comúnmente el uso de algunas expresiones que mencionaremos a continuación:

Estructuras materiales

Las estructuras materiales, se refieren a objetos concretos que tienen una entidad física. Todo objeto, sea natural o construido por el hombre, tiene una estructura y esta estructura garantiza el orden y funcionamiento de las partes del todo: edificios, animales, plantas, etc.

Estructura arquitectónica

Una estructura arquitectónica refiere a la forma en que está concebido, distribuido y construido un edificio para su funcionamiento. "La estructura de este edificio está concebida para facilitar el desalojo en caso de emergencia". "El incendio no ha afectado la estructura del edificio, de modo que puede recuperarse".

Estructura orgánica

También se puede mencionar la estructura de un organismo o de un sistema orgánico. Por ejemplo: "La estructura ósea permite darle al organismo soporte y forma específica".

Estructuras inmateriales

En cuanto a las estructuras inmateriales, estas suelen estar referidas a procesos, relaciones o flujo de información.

Estructura social

Una estructura social se refiere a la manera en que está conformada una sociedad y que determina los modos en que los individuos y grupos se relacionan, los cuales se ven afectados por el conjunto de normas y valores que movilizan el imaginario social.

Existe una estructura "invisible" en la familia en la que normalmente padre o madre ejercen la autoridad, y en su ausencia, esta puede recaer en el hermano mayor, por ejemplo.

También existe una estructura en los grupos o tribus, donde uno de sus miembros ejerce el liderazgo y siempre tiene ayudantes.

En un sentido amplio, existen estructuras que organizan la vida comunitaria, regional, nacional e internacional. A diferencia de las anteriores, estas normalmente están sancionadas en un cuerpo legal, que incluye constituciones, leyes, tratados, convenios, actas de asamblea y/o comunicados.

Estructura empresarial o institucional

Se puede mencionar la estructura organizativa de una empresa o institución, en cuyo caso se refiere a la distribución del poder de toma de decisiones y de las tareas a desenvolver. "La estructura de la empresa está encabezada por un gerente general". "La estructura de la institución eclesiástica es central y su cabeza es el papa".

Estructura de pensamiento

Otro ejemplo puede ser la expresión "estructura de pensamiento", que alude a la forma en que el cerebro de una persona distribuye, procesa y asimila las ideas.

 

 

LA GRADACIÓN:

 

La gradación es una experiencia visual diaria. Las cosas que están cerca de nosotros parecen grandes, y las lejanas parecen pequeñas. Si miramos desde abajo a un edificio alto, con una fachada de ventanas iguales, el cambio en tamaño de las ventanas sugiere una ley de la gradación.” Wucius Wong.

La gradación en el arte es una técnica visual de transición gradual de un tono de color a otro, o de un tono a otro, o de una textura a otra. El espacio, la distancia, la atmósfera, el volumen y las formas curvas o redondeadas son algunos de los efectos visuales creados con la gradación.

Los artistas usan una variedad de técnicas, que incluyen mezclas, sombreado y sombreado, dependiendo del material y el efecto deseado, para cambiar cualquier tinte, contraste, escenificado en un tono, contraste, textura, textura diferente. Los gradientes representan espacio, distancia, atmósfera, volumen, curvas / superficies y más.La gradación también puede ser útil para componer fotografías. Las primeras décadas del desarrollo de la fotografía implicaron mucho esfuerzo y experimentación para mejorar el detalle de la gradación en las fotografías. Se probaron diferentes materiales en la producción de litografías y fotografías tempranas, con una mejora constante en la producción de gradación detallada. En 1878, un fotógrafo escribió:

El gran defecto de todos los procesos de fotolitografía descritos en la última sección es que solo pueden aplicarse con ventaja a la reproducción de dibujos o sujetos en los que la gradación de la sombra se muestra mediante líneas o puntos separados por espacios en blanco de diferentes tamaños y tamaños. a intervalos variables, como grabados en línea o punteados y litografías en línea y tiza.

 

RADIACIÓN

Puede ser descrita como un caso especial de la repetición. Los módulos repetidos o las subdivisiones estructurales que giran regularmente alrededor de un centro común producen un efecto de radiación.

La radiación es un fenómeno común en la naturaleza, por ejemplo: Las flores, tirar una piedra sobre aguas calmas genera ondas concéntricas ó el sol que irradia sus rayos de luz. La radiación es una estructura modular que gira sobre un eje en forma rotatoria, en ella encontramos varias formas de expresión de radiación, efector circular, efecto dispersivo y efecto lineal.Los módulos repetidos o las subdivisiones estructurales que giran regularmente alrededor de un centro común. Esta puede tener el efecto de vibración óptica que encontramos en la gradación. Además se puede hacer gradación con formas estructurales de menor a mayor o redimensionando el dibujo de grande a pequeño o viceversa.

      CARACTERÍSTICAS: 

• Es multisimétrico
• Posee un punto focal, casi siempre en el centro
• Genera energía óptica y movimiento

ESTRUCTURAS

1. CENTRÍFUGA: Los módulos se irradian desde el centro.

2. CONCÉNTRICA: Los módulos rodean al centro en capas regulares, sus círculos van hacía el centro.

3. CENTRÍPETA: Los módulos se dirigen hacía el centro. Se puede formar por ángulos, curvas formadas o líneas estructurales.

CONTRASTE
Contraste es la acción y efecto de contrastar (mostrar condiciones opuestas o diferencias marcadas, comprobar la exactitud de algo). El contraste, por lo tanto, puede ser la oposición o contraposición que existe entre cosas o personas.

Sustancia de contraste

La sustancia que se introduce en el organismo para hacer observables los organismos mediante rayos X u otros métodos similares se conoce como contraste. Sin este contraste, la imagen que el profesional pretende analizar no sería visible. se define como la diferencia relativa en la intensidad entre un punto de una imagen. Un ejemplo es el contraste entre un objeto de brillo constante sobre un fondo de un brillo constante. Si ambas superficies tienen la misma luminosidad, el contraste será nulo y si el conjunto está en tonos de gris, el objeto será tanto física como perceptiblemente indistinguible del fondo.

Según se incrementa la diferencia en brillo el objeto será perceptiblemente distinguible del fondo una vez alcanzado el umbral de contraste, que se sitúa alrededor del 0,3 % de diferencia.

 

El yodo y el bario son los dos elementos que dan forma a esa sustancia que se introduce en el cuerpo del paciente en cuestión para así someterlo a pruebas como los rayos x o las resonancias magnéticas con las que se podrá conocer qué es lo que le sucede. Así, se obtendrán unos resultados, que permitirán descubrir qué enfermedad padece, en qué estado se encuentra la patología que ya tiene diagnosticada o qué acciones hay que llevar a cabo en lo que se refiere a un tratamiento.

En casos de cáncer, de problemas renales o de enfermedades gastrointestinales es cuando se suele recurrir al uso del contraste.

El contraste, por último, es la marca que funciona como garantía de los objetos de metal noble que han sido contrastados (es decir, que se ha comprobado su autenticidad).