TUTORÍA 4

 

Continuamos hoy con uno de los temas más importantes dentro de la teoría del color: el contraste.

Existen en total 7 contrastes de colores que se originan del análisis realizado por Johannes Itten, y que desde mi punto de vista, resulta el más completo y el que ha servido de base para posteriores estudios; así como para él lo fueron las teorías de Newton, Goethe, Bezold, Chevreul y Hölzel.

¿Qué es el contraste?

El contraste, como bien lo define la RAE, “es la oposición, contraposición o diferencia notable que existe entre personas o cosas”.

El contraste es entonces

la diferencia que existe entre dos o más colores, y el que permite al ser humano determinar o juzgar si un color es más intenso que otro, o más cálido o más frío, etc.

En el diseño, el contraste de colores juega un papel muy importante porque facilita el objetivo comunicativo del diseñador y del mensaje que pretende transmitir a una audiencia determinada. Como puede ser: provocar reacciones,  jerarquizar zonas clave dentro de una ilustración, llamar la atención, advertir de un peligro, entre muchas más.

Veamos ahora, cuáles son los 7 contrastes de color:

1-     Contraste de tonalidad.

2-     Contraste claro-oscuro (o de luminosidad).

3-     Contraste cálido-frío (o de temperatura).

4-     Contraste de complementarios.

5-     Contraste simultáneo.

6-     Contraste de cualidad (o contraste de intensidad).

7-     Contraste de cantidad. 

1.      CONTRASTE DE TONALIDAD

Es el contraste entre colores puros y luminosos, es decir, tal cual como los observamos en el círculo cromático.   El contraste más marcado lo producen los 3 colores primarios: amarillo, azul y rojo.  Conforme se va perdiendo en pureza del color, es decir, cuando se empiezan a mezclar colores, el contraste se vuelve menos intenso, como por ejemplo el contraste entre colores secundarios, y el de colores terciarios (como podrás apreciar en la imagen de más abajo).

En este tipo de contraste el fondo es clave para aumentar o disminuir la potencia del color, por ejemplo con un fondo blanco todos los contrastes se suavizan, mientras que con un fondo negro todos los contrastes se potencian y resultan más luminosos, adquiriendo un mayor protagonismo.  

 

2.      CONTRASTE CLARO-OSCURO

Se le conoce también como contraste de luminosidad, porque la luz es el valor clave en este tipo de contraste; tanto para los contrastes de claro-oscuros acromáticos (formados por el negro, el blanco y diferentes matices de gris), como para los contrastes claro-oscuro cromáticos.

En el contraste claro-oscuro cromático, los colores pierden su luminosidad al adicionarles negro, y ganarán en claridad adicionándoles blanco.  Cuanto mayor sea la diferencia de luminosidad entre los colores que se enfrentan, mayor será el contraste obtenido.

En pintura, el contraste claro-oscuro es uno de los recursos más utilizados, como fue el caso de Picasso y su período azul.

 

 

 

 

3.      CONTRASTE CÁLIDO-FRÍO  

Es conocido también bajo el nombre de contraste de temperatura, porque en él, la temperatura del color es la protagonista.  Se conforma, contraponiendo colores cálidos a colores fríos.

En su teoría del color, Itten considera que el mayor contraste cálido-frío lo conforman los colores terciarios: rojo-anaranjado y azul-verdoso.

Este contraste cálido-frío se tiene muy en cuenta en la decoración de interiores, ya que experimentos científicos han demostrado que los colores azulados calman la circulación, aumentando nuestra sensación de frío, mientras que los rojos-anaranjados la activan aumentando la sensación de calor.

La temperatura de un color es relativa. Parecerá más cálido o más frío dependiendo de los colores a los que se esté enfrentando.  Por ejemplo, un azul parecerá más cálido si se ubica al lado de colores fríos, y este mismo azul parecerá más frío si se ubica al lado de tonos más cálidos.  

 

 

 

 

4. CONTRASTE DE COMPLEMENTARIOS

Es el contraste entre los colores complementarios, es decir, los opuestos en el círculo cromático:

• Amarillo/Violeta

• Azul/Naranja

• Rojo/verde

• Amarillo-anaranjado/azul-violáceo

• Rojo-anaranjado/azul-verdoso

• Rojo-violáceo/ amarillo-verdoso

En diseño, este contraste el que más impacto suscita porque los colores complementarios en oposición se iluminan mutuamente luciendo más radiantes, mientras que su mezcla los apaga dando como resultado un gris oscuro.

Pero para obtener este gris oscuro ambos colores complementarios deben cumplir la condición de tener el mismo grado de claridad, de lo contrario obtendremos un color diferente al gris oscuro, probablemente una versión más oscura del tono más claro entre ambos. 

 

 

 

 

5. CONTRASTE SIMULTÁNEO

Este contraste es uno de los más complejos a entender, pero es quizás el más importante a tener en cuenta a la hora de diseñar o decorar interiores destinados al comercio (sobre todo en las tiendas de ropa donde la mayoría de las prendas son blancas, o en las peluquerías y las carnicerías), y también en el diseño de textiles.  

Porque ocurre una cosa muy curiosa con este contraste, y es que nuestro ojo al observar una zona  en determinado color, buscará inmediatamente su color complementario y si no lo encuentra lo creará él mismo. 

• Sobre una zona amarilla, el ojo buscará el violeta, y si no lo encuentra  lo recreará sobre otra superficie.

• Sobre una zona roja, el ojo buscará el verde, y si no lo encuentra  lo recreará sobre otra superficie.

  Es debido a este efecto óptico, que en los quirófanos donde se tenga que fijar la vista durante mucho tiempo sobre la sangre, las batas del equipo médico son de color verde. 

   

   

 

 

Debido a esta ilusión óptica, el contraste simultáneo supone la base de toda composición estéticamente agradable, pero la mayoría de las veces no es tenida en cuenta al momento de diseñar, quizás por simple desconocimiento. 

Por ejemplo, en la decoración de una tienda de ropa veraniega o de vestidos de novia, donde predominan los tejidos blancos, sería un desacierto pintar las paredes de un color azul-verdoso, porque nuestro ojo buscaría inmediatamente su color complementario en la ropa blanca, que no se vería blanca, sino de un tono blanco roto o melocotón,  debido al color complementario que el ojo trata de buscar, es decir: el rojo-anaranjado.

En cambio, este mismo color azul-verdoso, quedaría fenomenal en las paredes de una carnicería porque haría resaltar el color rojo de la carne, haciéndola parecer más fresca, porque nuestro ojo buscaría el color complementario en ella, es decir el color rojo.  Y sin embargo la mayoría de las paredes de las carnicerías son blancas, marrones, negras, y algunas incluso rojas. Y ya sabemos lo que pasa cuando el color de la carne parece verdoso, ¿no?, que parece en descomposición.

6. CONTRASTE DE CUALIDAD

Este contraste se produce entre un color saturado y luminoso, con otro más bien apagado.

Se puede confundir fácilmente con el contraste claro-oscuro, pero la diferencia entre ambos radica en el grado de claridad de los tonos que se enfrentan.  En el contraste claro-oscuro las diferencias son más acentuadas entre el color más claro y el más oscuro, mientras que en el contraste de cualidad esta diferencia es más sutil y gradual. 

Este tipo de contraste crea ambientes muy cogedores en decoración de interiores.

 

 

 

 

7. CONTRASTE DE CANTIDAD

Es un contraste de proporción entre dos o más colores.

Para conseguir un contraste de cantidad equilibrado, deberemos determinar la proporción adecuada para cada uno de los colores dependiendo de su grado de expresión.

Por ejemplo, el amarillo es el color más luminoso que existe, y el violeta (su color complementario) es el menos luminoso del círculo cromático.  En un contraste de cantidad ½ entre ambos colores, el violeta llevaría las de perder, porque el amarillo le robaría todo el protagonismo, a no ser, que este sea precisamente el efecto que se quiera conseguir para llamar la atención sobre una figura en especial.

En este ejemplo, la proporción adecuada seria ¼: 1 parte de amarillo por 3 partes de violeta. 

 

 

 

 

El tema de la proporción es muy subjetivo en las composiciones expresivas, porque dependerán de lo que cada artista y/o diseñador pretenda transmitir.

A algunos de estos contrastes les dedicaré un artículo especial, porque merece la pena analizarlos con más detenimiento.

CONCENTRACIÓN: 

Siempre se encuentra reunida hacia un punto fijo, lo que le da una estructuración a la grafica sin importar que su retícula sea formal o informal.

Hablamos de la distribución de los módulos en una estructura visual, Usualmente se le observa reunida en un punto especifico en el dibujo. Su distribución puede dividirse en informal y dispareja.

Las clases de la concentración que podemos halar son las que se muestran a continuación:

Concentración hacia un punto: 

Típicamente conocida porque los elementos  siempre se reunirán hacia un lugar especifico, que determinara por ende la agrupación de varios elementos, produciendo así una concentración.

 

 

 

 

 

 

Concentración desde un punto:

 Totalmente opuesto a lo anteriormente dicho, es decir, se genera una ausencia e las zonas inmediatas, del punto sale la concentración a dispersarse.

 

 

 

 

Concentración hacia la línea:

Los módulos o elementos por ende, empezaran a unirse o agruparse entre si, formando entre todos una linea concentrada.

 

 

 

 

Concentración desde una línea:

Todo lo contrario a lo anteriormente dicho.

 

 

 

 

Concentración libre:  

 Conocida de otra manera como la superconcentracion, en la cual, se habla de diferentes tipos de concentración en diferentes zonas en todo el dibujo.

 

 

 

 

Desconcentración:

Los elementos se encuentran en libertad a lo largo del dibujo, pues no tienen una concentración en sí, y se observaran espacios entre estos.

 ANOMALÍA

La anomalía es la presencia de la Irregularidad en un diseño en el cual aún prevalece la regularidad. Marca cierto grado de desviación de la conformidad general, lo que resulta en una interrupción, leve o considerable, de la disciplina total.

En el diseño la anomalía debe responder a una verdadera necesidad y debe tener un propósito definido, que puede ser uno de los siguientes: atraer la atención, aliviar la monotonía, transformar la regularidad y quebrar la regularidad.

 PROPÓSITOS DE LA ANOMALÍA

• ATRAER LA ATENCIÓN
Cuando es usada de forma moderada, tiende a destacarse y atraer la atención de inmediato.  Sobretodo si se concentra en una zona restringida del diseño.

•  ALIVIAR LA MONOTONÍA
La regularidad puede ser monótona, la anomalía genera movimiento.

•  TRANSFORMAR LA REGULARIDAD
Una regularidad puede transformarse en otra.

•  QUEBRAR LA REGULARIDAD
La regularidad puede ser completamente aniquilada, hasta el desorden en una o más zonas, pero debe mantener la unidad en el diseño.

ANOMALÍA EN LA ESTRUCTURA OCURRE, CUANDO LAS SUBDIVISIONES ESTRUCTURALES CAMBIAN DE: FIGURA, TAMAÑO, DIRECCIÓN Y DAN PASO A LA INFORMALIDAD.

      

 TEXTURA:

Mucho  escuchamos hablar o decir a cerca de la textura pero muy poco sabemos de su definición y clasificación  en  este articulo publico de manera puntual su concepto y aplicación.

La textura es un elemento que se refiere a la superficie de una figura.
Toda figura  tiene una superficie y debe tener ciertas características que puede  ser descrita por rigurosas, suave, lisa y decorativa, opaca o brillante, blanda o dura, según se muestre en un plano visual y esto  estará representado por diferentes materiales que al agruparlos u ordenado tomara la forma visual de relieve o  plano y será parte de una decoración .

Vídeos:
Textura 1https://www.youtube.com/watch?v=OrOU7AVBXuE&feature=youtu.be

Textura 2https://youtu.be/AcV3YZXZL8o

Textura 3https://youtu.be/aWn_daCU_VY

Textura 4https://www.youtube.com/watch?v=gGs33VGCbPE&feature=youtu.be

 

Se clasifica en dos categorías, Textura visual y textura táctil.

Textura Visual: Es aquel  estrictamente bidimensional, es aquella textura  que puede ser vista por el ojo aun que puede evocar sensaciones táctiles. Se distinguen por tres  clases.

1.    Textura  Visual Espontanea: Es aquella  donde  no decora la  superficie, si no es parte del proceso de creación visual, la figura y la textura no pueden ser separados por que las ramas de mano  accidentales contiene frecuentemente una textura espontanea como el soplado el esparcido, la integración de colores en forma  natural.

Se da por la sucesión varias técnicas, como se puede ver en los ejemplos el uso de color mezclado con otros materiales  dan la sensación una composición abstracta donde no se define ninguna forma y los colores  son sometidos  manera irregular provocando así unos diferentes efectos. Su acabado puede resultar verdaderamente plástico. Este trabajo aplicado a una  forma plana da como resultado una plicacion bien artistica.

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2.    Textura  Visual  Decorativa: Es la que decora una superficie y queda subordinada a la figura en otras palabras la textura misma es un agregado que puede ser quitado sin afectar mucho a las figuras y su interrelación en el diseño puede ser dibujadas a mano u obtenidas por recursos  especiales que  nos brinda la computadora. Es decir la creación de fondos adaptables a cualquier diseño, fondos de cielo, tramas  rítmicas etc. Ver modelo

3.    Textura  Visual  Mecánica: Se refiere a la textura obtenidas por  medios  mecánicos y son artificiales, sin necesidad de modificar  su naturaleza se puede emplear de manera decorativa y genera  cierto reñive , ejemplos tramas, tipografías, papeles con texturas, catones, micas, cuero, papeles liso, corrospun, telas, plasticos etc. Ver modelo

Existen 3 tipos de textura táctil.

Textura Táctil: Es el tipo de textura  que no solo es visible si no que puede sentirse con la  mano, la textura táctil, se eleva sobre la superficie de un diseño bidimensional y se acerca a un diseño tridimensional.

1.    Textura  Táctil  Natural Asequible: Se mantiene la textura  natural de los materiales tales  como papel en forma natural, madera, algodón, cebada, canela entera, clavo de olor ramos de tallos, pétalos, lentejas entre otros.

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2.    Textura  Táctil  Modificada: Los materiales son modificados para que ya  no sean los acostumbrados por ejemplo: el papel arrugado, rasgado, perforado, un trozo de madera tallada, aserrín,  sorbetes monedas, botones, hilos, lanas, vidrio, mondadientes, podemos encontrar más pero a pesar de su transformación sigue siendo  reconocibles.

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3.    Textura  Táctil  Organizada: La sensación de esta textura es dominante y los materiales a usar pueden ser identificables por ejemplo: semillas, grano de arena, cabello, alfileres, hilos retorcidos, botones del mismo color y tamaño, clic, etc. todas ellas deben  representar el mismo tamaño y la  misma forma en una disciplina ordenada.